Si apre domenica 28 maggio, e fino a sabato 29 luglio 2023, la mostra “St. Lubin…”, l’ultima del ciclo della Hospitality Season, rassegna curata da Italo Bergantini e Gaia Conti.
Una stagione importante con cinque diversi capitoli, ciascuno dedicato a un’ospite selezionato e con un tema portante, ma con un fondamentale legante: l’ospitalità nelle sue molteplici sfaccettature.
Negli spazi della Romberg Arte Contemporanea di Latina si sono succeduti una Fondazione, tre amici, un critico, un Festival – Art Stays – attraverso due curatori/artisti, nonché direttori artistici.
Per l’incontro conclusivo l’ospite speciale è una collezionista di oltre oceano recentemente immortalata sulla cover del magazine “Fashion book for over 60’s” vol.2. Chiyoko Okabe, questo il suo nome, presenta per gli spazi della galleria una selezione di tele recenti di Toru Hamada, introdotte da un testo di Gianluca Marziani, curatore della mostra insieme a Italo Bergantini.
Artista di nazionalità giapponese, come lei, da moltissimi anni lavora all’indirizzo di St. Lubin immerso nella campagna francese, sua terra d’adozione.
A legarli il concetto nipponico dello Omoiyari che indica una natura profondamente umana, capace di mettersi a disposizione degli altri, di curarne gli interessi, mossa da un intimo e autentico rispetto.
Si chiude quindi la stagione con la Gentilezza, d’animo, di stile, di approccio alla vita e nei confronti degli altri. Un sentimento sacro e universale, come quello dell’Ospitalità.
Scrive Gianluca Marziani: partire dalle sequenze domestiche di HiroKazu Kore-eda e Ryūsuke Hamaguchi, due cineasti giapponesi che hanno raccolto l’eredita filmica di Yasujirō Ozu, dei suoi interni di vite gentili, degli equilibri mirabili nello spazio abitativo, del movimento fluido dei corpi che non percepivano il limite dei muri ma l’apertura delle armonie emotive davanti agli orizzonti espansi dello sguardo. Toru Hamada mi ricorda i protagonisti di Kore-eda con le loro gentilezze silenziose e confortevoli, quel carezzevole istinto all’ospitalità come casa comune delle anime luminose. La sua vita tra il Giappone e la campagna francese, un moto che non è distanza ma doppio risolto di una medesima sapienza estetica, significa unione di Yin e Yang, Occidente e Oriente, corpo e spirito che qui si fondono per diventare pittura e volumetria, colore e materia, forma e sostanza. Ogni opera di Toru somiglia ai rituali educati del suo approccio all’altro: forme eterogenee che tendono all’unisono armonico, al diapason stereofonico, ad una fusione nucleare del disegno in astrazione catartica. Quadri e sculture che attraggono lo sguardo nei loro echi irradianti, nel loro modo gentile di chiamarci verso la geometria cosmica e il colore liberatorio. Segni iconografici di un certo modo di abitare il mondo e l’opera, il dialogo e l’invenzione, evocando le ragioni di una bellezza educata e mai consolatoria, una bellezza che ha la violenza implicita dell’aurora boreale ma anche la sintesi animistica di un’appartenenza totale ai destini della Natura. La gentilezza di Toru Hamada, la sua ospitalità diffusa nei luoghi in cui mangia, dipinge e ama, le sue parole che ti abbracciano come un vento granulare: note umane come canti di una balena che si trasformano in una geografia immersiva, un luogo ideale e reale dove le sue opere sembrano alberi con la testa nel cielo e le radici nel suolo della memoria.